with: Roger Koza, Meiko Heuser, Paula Gaitán, Radu Jude, Narcisa Hirsch, Johannes Kirschbaum, Kirsten Voigt, Isabel Plante, Joy Koza Carreira, Julia Landsiedl, Elmar Podlasly, Felix Klee Dramaturgical advise: Yulia Lokshina, Roger Koza; Additional photography: Helena Wittmann; Sound mix: Pablo Paolo Kilian; color correction: Tim Liebe; Music: Zoyt, Philipp Hartmann, Pablo Paolo Kilian; Poster: @Steffen Goldkamp
Spanish, German, English, Portuguese – with subtitles
A film critic with philosophical interests, played by the film critic Roger Koza, wonders about the nature of nature. And he obsessively tries to capture it with his cell phone camera. Other experts – filmmakers from different countries, art historians, a scenographer in charge of a natural science museum, and members of the human species from a distant future – think about ways of representation of nature. Kaleidoscopic and playful collage, sometimes fiction, sometimes documentary, „En vez de árboles“ cannot help but wonder about the nature of cinema itself.
Ein philosophisch umtriebiger Filmkritiker – gespielt vom Filmkritiker Roger Koza – will die Natur der Natur verstehen. Und versucht immer wieder obsessiv, ihr Bild mit seiner Handy-Kamera festzuhalten. Andere Expertinnen – Filmemacherinnen aus verschiedenen Ländern, Kunsthistorikerinnen, eine Szenografin am Naturkundemuseum und Vertreter der menschlichen Spezies aus einer fernen Zukunft denken über Formen nach, Natur dazustellen. In Form einer kaleidoskopischen und verspielten Collage, manchmal fiktional, manchmal dokumentarisch, kann „Anstatt Bäumen“ gar nicht anders, als dabei auch über die Natur des Kinos an sich nachzudenken.
Un crítico de cine con intereses filosóficos – incorporado por el crítico de cine Roger Koza – busca entender la naturaleza de la naturaleza. Y, obsesivamente, intenta captar su imagen con su celular. Otras expertas – cineastas de países diversos, historiadoras del arte, una escenógrafa de un museo de ciencias naturales, miembros de la especie humana provenientes de un futuro lejano se preguntan sobre los modos de representación de la naturaleza. Collage caleidoscópico y lúdico, a veces ficción, otras documental, „En vez de árboles“ no puede dejar de indagar también sobre la naturaleza del cine.
Screenings:
World Premiere: DocLisboa 2024, Intl. Competition: mon 21/10/2024 at 19:30h and wed 23/10/2024 at 16:15h
A staged documentary – or a documentary fiction? – with the Argentinian film critic Roger Koza. The film is as much an intimate portrait of the real Roger Koza made by his friend with an iPhone – as also a fiction where Koza represents an Argentinian film critic spending the first months of a new decade in Hamburg. Accompanied by a strange chorus that comments his actions, and obsessively filming his surroundings with his iPhone, the protagonist experiences longings, joy, encounters, lonelinesses, discoveries and small day-by-day obstacles. Or is he simply trying to make sense of his life?
Ein
inszenierter Dokumentarfilm – oder eine dokumentarische Fiktion? –
mit dem Argentinischen Filmkritiker Roger Koza. Der Film ist sowohl
ein intimes Portrait des echten Roger Koza, von seinem Freund Philipp
Hartmann mit dem iPhone gefilmt, als auch ein Spielfilm, in dem Roger
Koza einen Argentinischen Filmkritiker spielt, der drei Monate in
Hamburg verbringt. Ständig begleitet von einem merkwürdigen
Kinder-Chor, der – wie in der griechischen Tragödie – seine
Handlungen kommentiert, filmt er wie obsessiv seine Umwelt mit dem
iPhone, erlebt Sehnsüchte, Freude und Begegnungen, macht
Entdeckungen und meistert die kleinen Hindernisse des Alltags. Oder
sucht er einfach nur nach dem Sinn des Lebens?
EL ARGENTINO (Germany/Argentina, 2025, HD/Super8, 61 min.) – a film by Philipp Hartmann
with: Roger Koza, Helena Wittmann, Elmar Podlasly; Dana Najilis, Ana Izabel Aguiar, Gabriela Campos, Narcisa Hirsch – Songs: Carla&Filippa&Fanny – Direction, photography, music: Philipp Hartmann – script: Roger Koza & Philipp Hartmann – editing: Philipp Hartmann & Herbert Schwarze – sound postproduction: Pablo Paolo Kilian – image postproduction & DCP: Tim Liebe – Production: flumenfilm / Philipp Hartmann – (Shot with an iPhone-SE between january and march 2020, finalized mid 2025.)
a shortfilm musical by Philipp Hartmann (GER/ARG 2023, 22 min.)
starring: Roger Koza, Elmar Podlasly, Anne Döring, Nico Schmidt
An Argentinian cinephile returns after a year and a half of the pandemic to Hamburg, looking for a man he had encountered for just a couple of minutes on the street. They are connected by the love for cinema and the devotion of John Ford. This musical is a celebration of friendship through cinema.
Un cinéfilo de Argentina regresa a Alemania después de un año y medio de pandemia en búsqueda de un hombre que conoció en la calle por unos minutos. Los une solamente el amor al cine y la devoción a John Ford. Este musical no es otra cosa que una celebración a la amistad a través del cine.
Ein Cineast aus Argentinien kommt nach eineinhalb Jahren der Pandemie nach Hamburg zurück – auf der Suche nach einem Mann, dem er für ein paar Minuten auf der Straße begegnet war. Die beiden eint die Liebe zum Film und die Verehrung von John Ford. Ein Musical, das die Freundschaft durch das Kino feiert.
Screenings:
Cortópolis Festival Córdoba, ARGENTINA, nov. 2023 – OPENING FILM
a film by Philipp Hartmann & Danilo Carvalho. Germany/Brazil 2020, 85 minutes
Unser neuer Film virar mar / meer werden – alle Informationen, Aufführungstermine, Trailer, Bilder und mehr auf www.meerwerden.de
In den Wüsten des brasilianischen Sertão und den Überflutungsgebieten Dithmarschens bewegt sich dieser doku-fiktionale Filmessay. Das Wasser als physische wie metaphysische Metapher und Hintergrund der menschlichen Existenz. Dramen und Alltagsbeobachtungen in Zeiten des Klimawandels.
Water as a physical and metaphysical metaphor and background of human existence. A docu-fictional essay between the Brazilian Sertão-deserts and the Northern-German flood areas of Dithmarschen. Dramas and day-by-day-observations in times of climate change.
A água como metáfora física e metafísica e como pano de fundo da existência humana. Um ensaio entre documentário e ficção, entre o Sertão Brasileiro e os pântanos de Dithmarschen no norte da Alemanha. Dramas na observação do cotidiano em tempos de mudanças climáticas.
Of Seeing in Salt. Or: Ten Strategies to face the own finitude in an infinity
Del ver sobre sal. O: Diez estratégias para enfrentar, en una infinitud, la propria finitud
A short film by Philipp Hartmann with images photographed by Helena Wittmann (Germany/Bolivia 2024; 16mm/HD; 3 minutes)
Die größte Salzwüste der Welt – der Salar de Uyuni in Bolivien. An der Endlichkeit unserer Existenz ändert das aber auch nichts. Ein visueller Versuch in zehn Akten.
The largest salt desert in the world – the Salar de Uyuni in Bolivia. But that doesn’t change the finite nature of our existence. A visual experiment in ten acts.
The setting is the Salar de Uyuni, in Bolivia. Hartmann and his director of photography, filmmaker Helena Wittmann, had visited fourteen years ago that geography that forces us to think about the notions of space and time. In ten short scenes, the film fulfills its main task: meditating on finitude in an infinite landscape. The means to achieve this is to work on the frame and the human figure in it. Hartmann goes in front of the camera and tests different options associated with distance and the measurement of time based on displacement in space. A testimony from a local introduces the native and telluric philosophy of that place, with which one can reason one’s own existence and that of a cactus on an equal footing. In films like this, you have to know how to wait for chance; There may be surprises and you have to know how to recognize that instant of donation born of chance. Something happens. It is as absurd as it is beautiful, because two examples of the technological conquest of industrial engineering and two representatives, contingent fruits of the genetic and evolutionary combination, of the many species that inhabit our earth, whose presence in the painting are combined in a single plane It is a moment of materialistic grace. (Roger Koza)
El escenario es el Salar de Uyuni, en Bolivia. Hartmann y su directora de fotografía, la cineasta Helena Wittmann, habían visitado catorce años atrás esa geografía que obliga a pensar sobre las nociones de espacio y tiempo. En diez breves escenas, el film cumple con su principal cometido: meditar sobre la finitud en un paisaje infinito. El medio para lograrlo consiste en trabajar sobre el encuadre y la figura humana en él. Hartmann pasa delante de cámara y prueba distintas opciones asociadas a la distancia y a la medición del tiempo en función del desplazamiento en el espacio. Un testimonio de un lugareño introduce la filosofía autóctona y telúrica de ese paraje, con la que se puede razonar la existencia propia y la de un cactus en pie de igualdad. En películas así, hay que saber esperar el azar; puede haber sorpresas y hay que saber reconocer ese instante de donación nacido de lo aleatorio. Algo sucede. Es tan absurdo como hermoso, porque se combinan en un solo plano dos ejemplos de la conquista tecnológica de la ingeniería industrial y dos representantes, frutos contingentes de la combinación genética y evolutiva, de las tantas especies que habitan nuestra tierra, cuya presencia en el cuadro es un instante de gracia materialista. (Roger Koza)
a film by Philipp Hartmann with OEIN and PHØNIX16 – Germany/Bolivia 2021, HD/16mm, 105 Min.
(Poster: Steffen Goldkamp)
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TRAILER
Watch trailerhere ! (And find a longer version of the trailer here.)
In March 2020, 25 young musicians from the Bolivian Experimental Orchestra for Indigenous Instruments OEIN came to Germany to play concerts in Berlin and Dresden. Due to the coronavirus pandemic, the concerts were canceled, then Bolivia shut down its borders – and the musicians were stuck in the Music Academy in Rheinsberg/Brandenburg for almost 3 months.
Together with their german colleagues of the ensembles PHØNIX16 and noiserkroiser, they face the crisis developing several musical projects, a big part of them using improvisations in contemporary music.
By
leaving the stage mainly to the musicians and their performance, the
camera becomes part of the improvisation, also
opening up the question of how music can be filmed.
A
film about music as a form of communication in a state of exception.
Im März 2020 kommen 25 junge Musiker*innen des Bolivianischen Experimentalorchesters für Indigene Instrumente – OEIN aus La Paz nach Deutschland, um Konzerte in Berlin und Dresden zu spielen. Wegen der Corona-Pandemie werden die Konzerte abgesagt, kurz danach schließt Bolivien die Grenzen – und die Musiker*innen sitzen für 3 Monate in der Musikakademie Rheinsberg in Brandenburg fest.
Zusammen mit deutschen Kolleg*innen von den Ensembles PHØNIX16 und noiserkroiser nutzen sie die Krise, um verschiedene musikalische Projekte zu erarbeiten – vor allem Improvisationen Neuer und Zeitgenössischer Musik.
Indem der Film die Bühne den Musiker*innen und vor allem der Musik selbst überlässt, und die Kamera Teil des Improvisationsprozesses wird, thematisiert “Aus den 84 Tagen” nebenbei auch die Frage, wie Musik gefilmt werden kann.
Ein
Film über Musik als Kommunikationsform in einem Ausnahmezustand.
past screenings:
HAMBURG 3001 KINO – MI 12.6.2024, 19 h mit Anwesenheit und Mini-Konzert von Tati López und Carlos Gutiérrez vom OEIN und Philipp Hartmann
with music performed by: Andrea Alvarez, Samuel Arce, Álvaro Cabrera, Willy Chura, Miguel Córdova, Adriaana Escobar, Marco Flores, Einar Fuentes, Carlos Gutiérrez, Timo Kreuser, Ariel Laura, Tatiana López, Elba Mamani, Pablo Mamani, Camed Martela, María Victoria Medina, Nikolaus Neuser, Ethan Olmos, Pavlo Olmos, Johann Ortega, Victor Poma, Tracy Prado, Romina Quisbert, Gabriela Reyes, María Riqueza, Isabel Sanjines, Gabriela Saravia, Ariana Tavera, Mariel Terán, Giovanni Yapita
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Texts about the film
“Entre las muy pocas cosas buenas que puede haber dejado la pandemia está este hermoso ensayo lúdico sobre la colaboración entre la Orquesta Experimental de Instrumentos Nativos (OEIN) de Bolivia, el director de la orquesta Carlos Gutiérrez y su contraparte Timo Kreuser del ensamble berlinés PHØNIX16. La contingencia y la desgracia alteraron los planes de la presentación programada en Alemania, lo que culminó con esta película que reúne distintas performances a propósito de obras de Cage, Stockhausen y algunas improvisaciones concebidas por ambos orquestadores. El cine de Hartmann se caracteriza silenciosamente por la musicalidad que tiene el montaje y asimismo por la insolencia amable con la que desoye las convenciones del cine contemporáneo, dos perfiles estéticos observables La relación entre momentos de diálogos y la ejecución musical es magnífica para comprender una noción musical que no está erigida en la melodía y que por momentos incorpora el concepto de espacio y la relación con otros estímulos que no son sonoros sino visuales, como también para apreciar en sí la praxis de esa perspectiva musical. Las especulaciones de Kreuser sobre algunos conceptos de la música andina como el de choque son fascinantes, y también la autoconciencia de clase de Gutiérrez y su relación con la música tradicional de su país. Que la música del altiplano puede coexistir con la vanguardia musical del siglo XX desmantela prejuicios diversos y que la película lateralmente indique cuál fue el plan del reciente golpe de estado en Bolivia desnuda otro tipo de necedades. Al mismo tiempo no deja de ser una película de pandemia, pues su título son los días que residieron los músicos bolivianos en Alemania sin poder regresar a su país por los confinamientos sanitarios de aquel entonces.”
Philip Hartmann’s musical documentary does so much more than simply
record the orchestra’s performance; the camera actually responds to the
musician’s improvisation but you might be quite bewildered by the
introduction of the film – a taxi journey into the Bolivian city of La
Paz. Soon we realise that this is the home of OEIN (Experimental
Orchestra for Native Instruments) and they are on a trip to Germany,
where, due to COVID, their German concerts are cancelled and they are
forced to isolate in the Music Academy in Brandenburg. This venue is
also home to PHØNIX and noiserkroiser and it is with these groups that
this film is made.
The musicians are filmed in a most unorthodox manner, panning and
tracking from each player and often using extreme close-up. The OEIN
instruments are also as you have never seen before, pipes as long as a
didgeridoo and flutes that are like unusual pan pipes while the more
conventional instruments are played in off-beat ways such as an electric
guitar with a tube blowing air onto the strings and a prepared piano
(John Cage being one of the composers they perform).
The principal influence though is German Avant Garde legend Karlheinz
Stockhausen’s ‘Aus Den Sieben Tagen’. This piece consists of
instructions to the musicians in writing to describe the improv they are
setting out to do. This is to be done with no discussion before or
after to add to the freshness and spontaneity of the performance. The
results may be abstract, but they can be highly emotional too – from
being eerie and ghostly to soft relaxing ambiance.
In Stockhausen’s ‘Unlimited’ the percussionist plays the bottom
supporting the bass drum rather than on the skin itself producing a
metallic rattling so the piece becomes aggressive and noisy, a chaotic
cacophony with piercing wind instruments and feedback (South America’s
answer to Jimi Hendrix!)
The film not only superbly captures these performances but also
reveals to us the daily lives of the musicians and how they feel about
this challenging environment, missing home, of course, and under
lockdown restrictions. For another piece, the groups begin by imitating
the whining and screeching of cats and dogs, clearly having fun with a
sense of laissez-faire.
In a way, these post-dinner meetings are almost like magic rituals
and the improv form allows for brisk changes of mood. One of the
Bolivians calls the technique “composing in real time” and there is
certainly enough intense concentration for this to be the case. They
also note the liberating sense that “the moment will never happen
again”. One musical thing to note is the lack of a time signature which
adds to the “necessity and obligation to listen” and they disprove the
common misconception that improv means you can “just do anything”.
While
some of the outcomes are quintessentially South American, there is also
a lot of fusion with Western music and, inevitably, the kind of forms
that Stockhausen envisaged for his piece. At no point, is anything that
more conventionally would be described as ‘nice’ or ‘moving’, it just is
what it is, like it or not. One recital sees the troupes dotted around
different spaces of the building in corridors and stairways to highlight
the idea that they are working from spaces not to them, demanding a “new type of perception”.
Financially the virus and its resulting lockdown has been a financial
disaster for OEIN and the film discusses the relationships between art,
money and society. One lighter moment shows Hartmann asking the company
members what they think COVID would sound like. The interviewees reply
either chalk squeaking on a blackboard or an untrained violinist.
There is something of a ‘state of shock’ when the Bolivians are told
they can return home and the film then ends where it had begun with the
taxi entering La Paz, the lights of the city looking beautiful at night.
The word ‘beautiful’ best describes this inventive and innovative film,
with a form that matches its content.
Sheffield Doc Fest 2021 | Diario de Sheffield (5), por Quintín
8 de junio
Ayer vi la primera película de la
pandemia. Resultó un descubrimiento mayor por mi parte. No hay en el
film nadie con la cara tapada (por suerte) pero el virus juega, fuera de
campo, un papel decisivo. En marzo de 2020, veinticinco músicos
bolivianos, integrantes de la OEIN (Orquesta Experimental de
Instrumentos Nativos) viajaron a Alemania para dar dos conciertos
conjuntos con sus colegas de la PHØNIX16. A los tres días de empezar los
ensayos, los conciertos se suspendieron por la cuarentena alemana y, al
mismo tiempo, Bolivia cerró sus fronteras. Así fue como se quedaron
varados en el bosque que rodea la Academia de Rheinsburg / Brandenburgo
durante 84 días. Un director de cine alemán había viajado previamente a
La Paz para filmar imágenes que debían ser proyectadas en los
conciertos. Pero terminó haciendo una película sobre la extraordinaria
música que se tocó durante el confinamiento y que es una de las pocas
cosas positivas de la pesadilla sanitaria que todavía vive el mundo. From the 84 Days, de Philipp Hartmannes esa película y forma parte de la competencia internacional de Sheffield.
La OEIN hace música contemporánea con
raíces en el altiplano andino. Utiliza instrumentos tradicionales y
otros construidos por ellos mismos. Cuando empiezan improvisando según
las vagas instrucciones de Stockhausen me di cuenta de que no estábamos
más en Kansas, sino en el mucho más rico y colorido mundo de Oz. Carlos
Gutiérrez, el joven director de la OEIN, contribuye a desasnarme de este
modo: “Varios principios y conceptos sonoros ‘descubiertos’
por los compositores europeos en el siglo XX son intrínsecos a los
instrumentos y las músicas indígenas (de Bolivia y Latinoamérica). No es
difícil encontrar correspondencias entre ambos pensamientos musicales.
La música del Altiplano Andino es fascinante y compleja en muchos
aspectos, no tiene mucho que ver con este producto domesticado que se
nos suele vender como música Andina.”La respuesta me llegó a
través de Agnés, a esta altura personaje habitual de estas notas, que
hizo el Q&A de la película. Se me ocurrió entonces mandarle un mail
con un par de preguntas para Gutiérrez y esa fue una de las respuestas.
Hartmann entrevista brevemente a Gutiérrez y a otros integrantes de la OEIN, así como a Timo Kreuser, director de PHØNIX16, casi el único alemán que participa de las sesiones, tocando en general el piano del lado de adentro (sé que esto tiene un nombre más fino, aunque lo desconozco) pero se ocupa esencialmente de filmar la música y ver como se despliegan las infinitas variantes que generan los instrumentos y la libertad para improvisar dentro de una fabulosa gama de sonidos colectivos (algo a lo que, siempre según Gutiérrez, no todos los músicos alemanes con los que tocaron fueron capaces de adaptarse). Hace dos días hablé de la película de Chantal Akerman sobre la violoncelista Sonia Wieder-Atherton e insinué que me había quedado un poco afuera. La verdad es que me aburrí mucho. La música de la OEIN, en cambio, me resultó mucho más cercana y gratificante. Esto puede parecer paradójico, pero siempre pensé que, tanto en la música como en el cine, la vanguardia puede tener una recompensa sensorial inmediata, mucho más directa de lo que se piensa. Digamos de paso que la OEIN se fundó hace cuarenta años, que no tiene una afiliación política ni un escalafón de sueldos fijos y que sus integrantes les dan clases de música a los chicos más desfavorecidos de La Paz, de donde surgen sus futuros integrantes. La experiencia de poder tocar tanto tiempo aislados, con todos sus problemas, les resulto muy estimulante a los protagonistas y la película es la prueba. (…)
Kurzfilm von / shortfilm by: Philipp Hartmann (2022, HD, 12 Min.)
Kinder berichten von Rüdiger, zeigen Orte, an denen er lebte. Doch wer war Rüdiger? Und wer berichtet hier eigentlich? Wer sind die Kinder? Und was macht der Film mit ihnen?
Children report on Rüdiger. Showing places where he used to live. But who was Rüdiger? And who is actually reporting? Who are the children? And what is the film doing with them?
Der Wald – Screening with PHØNIX16 @Wolfkino Berlin 2022
TEXTS about the film “Rüdiger”:
Un bosque, un sótano, una zona de jardines detrás de un paredón por el que pasa un tren, un tema musical, un fragmento de un poema de Hölderlin, muchos escombros, tres niñas y un nombre: Rüdiger. Esos signos bastan para crear una especie de test lúdico y lúcido sobre la abyecta mácula del siglo XX, siempre asociada al pasado alemán. La indeterminación consciente de todo lo que se ve determina tanto el comportamiento de la niña más pequeña, que mirando a cámara en varias ocasiones sugiere incluso ideas para el montaje, como también la combinación de planos fijos y movimientos de zoom abruptos y otros motivos visuales en oposición que pueden transmitir serenidad o conmoción. La clave radica en que la película pone en funcionamiento juicios y prejuicios, y al hacerlo evidencia un sistema de codificación escrito en la memoria histórica donde la interpretación no admite en principio vacilaciones. Lo ominoso persiste como un recuerdo vago, invocado por dos o tres palabras, la descripción de un acto y una fecha de nacimiento. Roger Koza
A
forest, a basement, a garden area behind a wall through which a train
passes, a musical theme, a fragment of a poem by Hölderlin, a lot of
rubble, three girls and a name: Rüdiger. These
signs are enough to create a kind of playful and lucid test on the
abject stain of the 20th century, always associated with the German
past. The conscious
indeterminacy of everything that is seen determines both the behavior of
the youngest girl, who looking at the camera on several occasions even
suggests ideas for editing, as well as the combination of fixed shots
and abrupt zoom movements and other visual motifs in opposition that can
convey serenity or shock. The key lies in the fact that the film puts judgments and prejudices into operation, and
in doing so, it evidences a codification system written in historical
memory where the interpretation does not admit of hesitation in
principle. The ominous persists as a vague memory, invoked by two or three words, the description of an act and a date of birth.roger koza
